Jimmy MacDonald ou le son de Disney : un éloge du sound design « analogique »

La connaissance est un horizon qui s’éloigne au fur et à mesure que l’on s’en rapproche. Je continue mes recherches sur le design sonore au cinéma ; j’essaie de comprendre comment un inconscient collectif autour du son s’est développé durant le XXème siècle. A quoi tient le Graal du son « qui marche » ?

Quels en sont les racines perceptives ? Quels en sont les jalons historiques ? Cette recherche me mène aujourd’hui à vous parler de Jimmy MacDonald. Si son nom ne vous est pas familier, il est impossible que vous n’ayez pas entendu ses sons ou sa voix.

Ce vénérable Monsieur, né en 1906 et décédé en 1991, fut à la tête du département son chez Disney pendant presque 50 ans et incarna Mickey (entre autres personnages) de 1946 à 1977. On dit de lui qu’il fut le premier à créer une banque de sons d’une richesse et d’une étendue telle. En des temps héroïques ou le matériel d’enregistrement portable n’existait pas encore, il a construit des centaines de machines permettant de créer, de simuler les sons dont il avait besoin pour les films de Walt Disney : vent (pièce de tissu frotté sur une rotative), pluie (variation du bâton de pluie), tonnerre (la fameuse fine plaque de métal que l’on secoue ou frappe), mitraillette, train… et des sons beaucoup moins réalistes comme celui d’un bourdon qui fait sa toilette !

La biographie de Jimmy MacDonald illustre l’ambivalence rationalité technique/intuition artistique que l’on retrouve chez de nombreux sound designers postérieurs à lui (dont Ben Burtt). Titulaire d’un diplôme d’ingénieur, il est également batteur de Jazz et c’est à l’occasion d’un enregistrement de son orchestre pour accompagner un film de Walt Disney, que ce dernier lui propose de venir travailler pour lui. La collaboration durera 48 ans.

C’est une manière de le mettre en opposition à un sound design synthétique. Un son produit dans le monde réel bénéficie spontanément d’une complexité difficile à reproduire en synthèse. La richesse de sa dynamique, de son timbre, la présence acoustique du lieu dans lequel un tel son est enregistré sont des « marqueurs » de réalité qui conditionne la crédibilité perceptive d’un son. Utilisé dans un rapport de synchronisme avec l’image, son acceptation par le public devient totale, comme l’a montré Michel Chion avec le concept de synchrèse. Les auditeurs déposent les armes de l’oreille critique et acceptent la supercherie car elle leur raconte l’histoire qu’ils ont envie d’entendre.

Il est finalement difficile de dire ce qui, dans le travail de Jimmy MacDonald, relève du bruitage ou du sound design. La plupart des sons se faisaient en direct (pour des raisons techniques évidentes), dans le prolongement des bruiteurs de fictions radiophoniques. Les multiples machines qu’il a conçues étaient destinées à être utilisés par les bruiteurs dans la temporalité de l’image. Dès lors, elles prennent l’apparence d’instruments de musique traduisant en son le geste de qui les manipule. La frontière entre bruitage et sound design tient peut-être aux besoins sonores exprimés, à leur subjectivité qui est a priori plus prononcée dans un film d’animation que dans de la prise de vue réelle. Le monde imaginaire du dessin animé supporte des associations sonores plus audacieuses, voire les réclame. De même l’essor du cinéma de genre et de science-fiction en particulier a t-il permis de « révéler » et d’officialiser le métier de sound designer dans les années 70, en raison des besoins sonores inouïs que ses thématiques appelaient.

Les ressources en ligne sur Jimmy MacDonald sont assez rares.